Kritik 4 U

Krise chorisch

Berge von zerknüllten Papieren, von der Decke baumelnde Mikrophone, Maschendrahtzaun als Bühnenwände, vier Frauen in Abendroben, vier Männer mit Anzügen und Fliegen liegen und stehen still im Bild herum. Ein Papierhügel auf einem Podest beginnt zur rascheln, ganz leise fallen erste Blätter, ein bestrumpftes Bein mit High Heel erscheint. Die Frau drunter plumpst zu Boden, eine Welle des Schocks fährt durch die sieben anderen Performer. Wieder Stille. Einer der Männer mit Fliege hält zwei Papierbüschel, die Arme ausgebreitet, im Gesicht sprachloses Entsetzen, weit geöffneter Mund, er vibriert nur leise. Ein atmendes Stilleben, mehr vegegativ als menschlich, dann geht wieder ein Schreck durch die Menschen, alle zucken, ein Schreckenslaut kommt aus dem Mund einer blonden Frau. Die Anfangsszene ist ein orchestriertes Spiel von Schreckimpuls und träger Starre, das die Körper wie Instrumente ins crescendo treibt.

Heimat, die Verräumlichung von Identität

Exorzist ist der, der in direkten Kontakt mit einem unerwünschten Geist oder Dämon tritt, um diesen aus dem Körper des oder der Bessessenen zu vertreiben. Ein Glockenklang. Ein sakraler Chor. Dunkelheit. Die Austreibung beginnt – und diesmal ist es der Geist der Heimat, genauer: der schweizer Heimat, dem es an den Kragen gehen soll. In seiner neuen Regiearbeit inszeniert der Musiker und Regisseur Thom Lutz in Kooperation mit dem Choreografen Arthur Kuggeleyn und dem Musiker Mathias Weibel ein zeitkritisches, quasireligiöses Ritual, das zeitgleich die Suche und die Austreibung eines Heimatgefühls ist. Denn was man austreiben will, muss man ja gefunden haben. Was Heimat ist, ist aber in keiner Weise klar. Klar ist: Heimat ist heute ein Problem – nicht nur philosophisch, sondern auch politisch – nicht nur in der Schweiz, sondern auch global. Ein Thema voller Brisanz also. Vielleicht notwendigerweise gelingt dem Stück nicht die Austreibung von Heimat(gefühlen), sondern lediglich die Ablehnung von Patriotismus. Das ist nicht neu, aber wohl immer noch das Losungswort: „Ich bin dort zuhause, wo ich meinen Ärger habe“ – und wenn wir keinen Ärger haben, müssen wir Ärger machen!

Ausserirdische Sichtweisen

Als nacktes Erdenkind folgt sie der Umlaufbahn einer riesigen Erdkugel. Der aufblasbare Himmelskörper aus Plastik beherrscht Bühnenbild und Denken von Simone Aughterlony. Denn in ihrer Performance „We need to talk“ versucht sich die neuseeländische Künstlerin aus ihrer anthropozentrischen Perspektive zu lösen. Über den Tanz, über das Loslassen von Erinnerungen, über die Identifikation mit dem Anderen, dem Alien. Dass ihr Geburtsjahr 1977 ausgerechnet mit dem Start der beiden NASA-Raumsonden Voyager 1 und 2 zusammen fällt, nimmt sie zum Ausgangspunkt für eine zeitlose Reise in die Zukunft.

Es fehlt der Anker

Die einen suchen ihn im Branntwein, die anderen in den rosa Seifenblasen eines Musicalplots: Den Anker, der dem Dasein einen Halt gibt. Auch Jungschauspieler Nikolai hat ihn noch nicht gefunden. Darum stolpert er etwas unbeholfen in unschuldigem Weiss wie ein Fiat Lux-Jünger durch die neue Musical-Koproduktion von 400asa und Theater am Bahnhof Graz.

Vom Blitz entzündete Seelenkörper – ein Tanzkonzert

In ihrer neuen Choreografie mit dem Titel "Violet" zeigt die amerikanische Tänzerin und Choreografin Meg Stuart in Zusammenarbeit mit der Company "Damaged Goods" (Alexander Baczynski-Jenkins, Adam Linder, Varinia Canto Vila, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner) fünf einem Sturm ausgelieferte Körper. Mitten in einem von Brendan Doughertys heftiger Musik erzeugten Gewittersandsturm stehen sie und versuchen fuchtelnd ihre Augen und Ohren vor dem peitschenden Sand zu schützen. In der Nähe das wütende Meer. Ein Blitz. Der Sturm hat auch in die Seelen eingeschlagen. Die Körper sind Manifestationen einer inneren Entzündung, eines inneren neurotischen Gewitters, bei dem ein Selbst unablässig mit Phantomen und dem eigenen Verlust ringt. Die Verkörperung von Gedanken gibt es nicht mehr. Die Körper sind das gehetzte irrende Denken selbst. Und dieses bewegt sich vor einer mit Erdöl oder Pech übergossenen schwarzen Wand, in deren gedellten Oberfläche sich zwar Licht reflektiert, alles andere aber verschluckt wird. Damit schuf die Bühnenbildnerin Janina Audick ein Sinnbild für die nie zu akzeptierende Verlorenheit, in der Meg Stuart die Bewegungen der TänzerInnen ansiedelt. Hat da nicht jeder ein Veilchen nötig, von dem man sich eine beruhigende, entzündungshemmende Wirkung sowie die Heilung von seelischen Wunden, seelischem Schock und Ängsten verspricht?